LUXURY

(왼쪽) GUCCI 2024 RESORT. (오른쪽) 건축가 프랭크 게리가 한국의 전통 동래학춤에서 영감을 받아 유려한 곡선의 유리 지붕으로 완성한 청담동의 건축적 랜드마크, 루이 비통 메종 서울.

(왼쪽) 명동의 1980년대 풍경으로, 디자이너와 일대일로 소통하며 옷을 맞춤 제작하는 양복점과 표준화된 국산 브랜드 매장이 공존한다. (오른쪽) 오늘날 LF의 전신이자 대중을 위한 패션의 포문을 열었던 반도패션.

한국 패션 50년, 패션 지형도를 바꾼 4개의 패러다임

시간은 단순히 흘러 사라지지 않는다. 시대의 취향과 욕망, 미학의 흔적을 켜켜이 쌓아 올리며 하나의 풍경을 만든다. 반세기 전 명동 골목을 채우던 작은 양장점과 재봉틀 소리, 해외 패션지의 페이지를 넘기며 최신 트렌드를 동경하던 시절을 지나 한국 패션은 눈부신 변화를 이뤄냈다. 세계의 유행을 좇던 변방의 시장은 이제 글로벌 럭셔리 하우스들이 가장 주목하는 무대이자 새로운 영감이 탄생하는 중심지로 자리 잡았다.

그렇다면 우리는 어떻게 글로벌 런웨이의 최전선에 서게 되었을까. 디자인하우스 50년을 맞아 한국 패션의 반세기를 단순한 연대기의 나열이 아닌 4개의 키워드로 되짚어본다. 오프라인 리테일의 풍경을 바꾼 ‘공간PLACE’, 소비를 넘어 하나의 문화가 된 ‘럭셔리LUXURY’, 정보 권력의 이동을 이끈 ‘미디어MEDIA’, 그리고 변방에서 중심으로 도약한 ‘역전REVERSAL’의 서사. 이 네 개의 렌즈를 통해 한국 패션이 지나온 가장 역동적인 순간들과 앞으로 펼쳐질 새로운 50년을 함께 바라본다.

월간 <디자인> 2011년 1월호 ‘갤러리아 백화점 CI’ 기사에서 발췌한 갤러리아 백화점 이스트관 전경. 

에르메스 카페 마당의 F&B와 아틀리에 에르메스의 현대미술 전시를 한 공간에서 즐길 수 있는 복합 문화 플래그십 스토어 .

PLACE 공간이 욕망을 빚어내다

패션에서 공간은 단순히 상품을 진열하고 판매하는 장소가 아니다. 그것은 시대가 패션을 소비하고 욕망하는 방식을 보여주는 지표이자 사회적 위계와 미적 가치가 물리적 형태로 구현된 결과물이다. 1974년 반도상사(현 LF)가 국내 최초의 고급 기성복 브랜드 ‘반도패션’을 선보이며 명동에 1호점을 연 것은 대중을 위한 패션 리테일의 시작을 알린 상징적인 장면이다. 이후 한국 패션 유통의 결정적인 전환점은 1990년대 이후 본격화된 공간의 분화에서 찾아볼 수 있다. 1990년 갤러리아 명품관 개관과 2005년 롯데백화점 에비뉴엘의 등장은 단순한 리뉴얼 이상의 의미를 지닌다. 대중 백화점과 럭셔리 리테일의 영역이 명확히 구분되며, 하이엔드 브랜드만을 위한 독립적인 플랫폼이 형성된 것. 이 공간들은 판매 채널을 넘어 럭셔리 브랜드의 정체성과 희소성을 경험하는 무대로 자리매김하며 국내 유통 지형을 새롭게 바꿔놓았다.

백화점을 중심으로 형성되던 럭셔리 소비문화는 곧 청담동과 도산공원 일대를 무대로 한 플래그십 스토어 시대로 이어졌다. 2006년 문을 연 메종 에르메스 도산 파크는 그 변화의 상징적인 출발점이었다. 이후 크리스티앙 드 포르장파르크가 설계한 하우스 오브 디올(2015), 프랭크 게리가 한국의 동래학춤에서 영감을 받아 완성한 루이 비통 메종 서울(2019) 등 다양한 글로벌 패션 하우스들이 건축을 통해 그들만의 세계관을 구현하기 시작했다. 공간은 더 이상 제품을 판매하는 장소에 머무르지 않고 브랜드의 철학과 미학을 경험하는 하나의 문화 플랫폼으로 진화했다.

이러한 흐름은 F&B와의 결합을 통해 더욱 확장됐다. ‘구찌 오스테리아’와 ‘디올 카페’ 등의 하이엔드 다이닝 공간이 브랜드 경험의 영역을 넓혔고, 최근에는 한남동 디젤 플래그십 스토어처럼 카페를 전면에 배치하며 보다 자연스럽게 일상 속으로 스며들게 하는 방식도 등장했다. 이제 플래그십 스토어는 단순한 쇼핑 공간을 넘어 브랜드가 지향하는 라이프스타일을 체험하는 복합 문화 공간으로 급부상했다. 그리고 지금, 오프라인 공간의 중심축이 성수동으로 향하고 있다. 오래도록 한 축을 이루는 플래그십 스토어를 넘어, 짧은 순간 등장했다 사라지는 팝업 스토어가 새로운 시대의 공간 언어로 떠오른 것. 소유보다 경험을, 지속성보다 화제성을 중시하는 오늘날의 소비자들에게 팝업 스토어는 브랜드를 만나는 가장 즉각적인 접점이다. 특히 성수동은 끊임없이 모습을 새롭게 바꾸는 공간을 통해 트렌드와 취향, 문화가 교차하는 실험의 무대로 기능하면서 동시대 패션 신의 흐름을 보여주고 있다.

2023년 메종의 아이코닉 패턴으로 성수동을 물들이며, 이색 전시와 하우스 카페 체험을 결합시킨 버버리의 팝업 스페이스.

EXPERT INSIGHT

더현대 서울 해외명품팀 팀장 이정환

지난 50년간 대한민국 유통과 패션의 역사는 단순한 ‘상품 판매의 공간’에서 ‘경험과 라이프스타일의 무대’로 진화해온 혁신의 과정입니다. 거대 자본의 유입과 백화점 내 독립형 하이엔드 명품관의 등장은 한국 패션 시장의 눈부신 성장을 이끈 결정적 전환점이었죠. 그러나 공간의 진정한 변화는 그 이후부터 시작됐습니다. 오늘날 백화점과 플래그십 스토어는 더 이상 옷을 진열하고 판매하는 장소에 머물지 않습니다. ‘루이 비통 비저너리 서울’이나 ‘디올 카페’처럼 글로벌 럭셔리 하우스의 철학과 미학을 오감으로 경험할 수 있는 공간으로 진화하며, 리테일과 F&B, 문화가 유기적으로 결합된 복합 플랫폼으로 정착했죠. 이제 소비자들은 단순히 제품을 구매하는 데 그치지 않고, 브랜드가 제안하는 서사와 가치, 라이프스타일까지 함께 소비합니다. 브랜드가 제안하는 세계관과 취향, 그리고 삶의 방식까지 향유하는 시대. 오늘날 유통 공간은 제품을 판매하는 장소를 넘어 브랜드의 정체성과 문화를 경험하는 무대로 자리하고 있습니다.

(왼쪽부터) 1984년 창간, 대중을 위한 국내 최초의 비주얼 패션 매거진.

1998년 창간, 2005년 폐간, 1990년대 후반 하이틴 및 20대 초반 청춘들의 팬덤을 형성했던 잡지.

1994년 창간, 2018년 폐간. 1990~2010년대 시대를 아우르며 트렌드 바이블로 유명했던 종합 패션지.

MEDIA 정보의 이식에서 권력의 재편까지, 그리고 종이라는 경험

패션을 인식하고 향유하는 방식의 중심에는 언제나 미디어가 있었다. 지난 50년의 패션 미디어 역사는 소수가 정보를 독점하던 시대에서 누구나 실시간으로 정보를 생산하고 공유하는 시대로의 변화, 곧 정보 권력이 이동하고 재편되는 과정의 역사다. 1980년대 <월간 멋>은 화보를 단순한 정보 전달의 수단을 넘어 하나의 시각언어로 끌어올렸다. 1990년대는 종이 잡지의 전성기라 불러도 과언이 아니었다. <쎄씨>, <키키> 등 하이틴 매거진이 청춘들의 취향과 소비를 이끄는 문화 아이콘으로 입지를 굳혔고, 잇따라 국내에 진출한 글로벌 라이선스 매거진은 파리와 밀라노의 최신 트렌드를 가장 빠르게 전달하며 패션 담론의 중심에 섰다. 당시 종이 잡지는 단순한 매체를 넘어 시대의 미적 기준을 제시하는 강력한 영향력을 행사했다.

그러나 정보 권력의 중심은 영원하지 않았다. 2010년대 스마트폰의 보급과 함께 시작된 디지털 전환은 종이 매체가 가진 속도의 한계를 단숨에 뛰어넘었다. 패션 인플루언서와 SNS, 숏폼 콘텐츠는 트렌드가 소비되는 주기를 획기적으로 단축시켰고, 패션 미디어 역시 변화했다. 더 이상 룩을 감상하는 창구에 머무르지 않고, 클릭 한 번으로 구매까지 이어지는 ‘쇼퍼블 미디어Shoppable Media’로 진화한 것이다. 정보와 소비의 경계가 흐려지면서 미디어는 하나의 거대한 리테일 플랫폼으로 기능하기 시작했다.

그렇다고 종이 매체의 시대가 완전히 막을 내린 것은 아니다. 오히려 수많은 정보가 손끝에서 빠르게 생성되고 사라지는 시대일수록 정제된 콘텐츠의 가치는 더욱 선명해진다. 에디터와 포토그래퍼, 디자이너가 오랜 시간 공들여 완성한 비주얼과 편집, 종이 특유의 물성과 무게감, 그리고 한 시대의 취향과 문화를 기록하는 아카이브로서의 역할은 디지털 환경으로 쉽게 대체할 수 없는 영역이다. 정보가 아닌 관점과 맥락을 담아내는 것. 그것이 오늘날 인쇄 매체가 지닌 가장 중요한 가치이자 존재 이유일 것이다.

EXPERT INSIGHT

패션 컨설턴트 조세경

“정보를 얻는 거의 유일한 창구가 잡지였던 시절에는 잡지를 찾아보는 게 일반적이었습니다. 친언니 영향으로 일찍 잡지를 접했고, 매달 마음에 드는 잡지를 사곤 했어요. 서점에 가서 잡지를 다 읽어보고 가장 소장하고픈 한 권을 구매했죠. 라이선스 패션지가 등장하면서는 독자의 니즈를 충족하기보다 패션 판타지를 꿈꾸게 하는 역할이 커졌습니다. 만약 독자들의 니즈를 반영하고, 성장하는 로컬 브랜드들을 적극적으로 알렸다면 영향력이 더 크지 않았을까 하는 아쉬움이 남아요. 하지만 디지털로 플랫폼이 전환되던 시기에 지면만 고집하지 않고 디지털 콘텐츠를 발전시킨 것은 잘한 부분입니다. 개인 미디어가 넘쳐나며 모두가 진짜라고 하지만 가짜도 많은 요즘, 잡지는 가장 신뢰할 수 있는 기사를 전달하는 본연의 역할에 집중해야 합니다. 다수의 눈과 귀가 향하는 곳에 반걸음 앞서 정보를 검증하고 제일 보기 좋은 형태로 전달하며 빼어난 결과물을 만드는 것. 그것 외에 다른 답을 찾지 못했습니다.”

(왼쪽부터) 파리 공방의 장인 정신과 퐁피두센터 한화 서울의 현대적 건축미가 결합해 하우스의 크래프트맨십을 입증한 샤넬 2024/25년 공방 컬렉션. GUCCI 2024 RESORT. CHANEL 2026 PRE-FALL.

LUXURY 럭셔리를 소비하는 나라

한국인의 럭셔리 소비 역사는 경제성장과 함께 변화해온 욕망의 역사이기도 하다. 사회적 성공에 대한 열망과 취향의 진화, 그리고 시대마다 달라진 소비문화가 맞물리며 한국만의 독특한 럭셔리 지형도를 만들어왔다. 1980년대 후반 글로벌 럭셔리 하우스가 국내에 진출하기 시작했을 당시만 해도 명품 소비는 종종 과시적 소비와 동일시되곤 했다. 특히 1990년대 초반 압구정동을 중심으로 등장한 이른바 ‘오렌지족’은 새로운 소비문화를 상징하는 존재로 주목받는 동시에 과소비 논란의 중심에 서기도 했다. 이후 IMF 외환위기를 거치며 럭셔리 브랜드들은 대중 중심의 마케팅보다 소수 고객을 위한 VIP 전략에 집중했고, 2000년대에 들어서는 과시보다 절제된 품격을 중시하는 소비 경향이 나타났다. 이른바 ‘청담동 며느리 룩’으로 대표되는 스타일은 고급스러운 소재와 정제된 실루엣을 통해 신분과 취향을 드러내는 새로운 럭셔리의 소비 문법을 보여주었다.
2000년대 중반에 접어들며 럭셔리 소비의 패러다임은 또 한번 변화했다. 그 중심에는 경제적 독립을 이룬 2030 여성 소비자들이 있었다. 그들을 중심으로 이른바 ‘잇백It Bag’ 열풍의 시대가 도래했다. 끌로에의 ‘패딩턴’ 백, 발렌시아가의 ‘모터’ 백, 샤넬의 ‘클래식 플랩’ 백은 단순한 액세서리를 넘어 개인의 취향과 라이프스타일, 그리고 경제적 자립을 상징하는 오브제로 기능했다. 가방 하나가 곧 정체성과 취향을 드러내는 시대가 열린 것이다.

이러한 열기는 2010년대 소셜 미디어의 부상과 맞물리며 새로운 국면을 맞았다. 인스타그램을 중심으로 한 디지털 환경은 럭셔리 소비를 개인의 경험에서 사회적 콘텐츠로 전환시켰고, ‘플렉스Flex’ 문화와 ‘오픈 런’, ‘샤테크’ 같은 현상이 연이어 등장했다. 명품은 더 이상 단순한 소비재가 아닌 자산이자 자기표현의 수단, 그리고 온라인에서 공유되는 하나의 문화적 언어가 됐다. 그 결과 한국은 세계 럭셔리 시장에서 독보적인 존재감을 드러내며 가장 주목받는 소비 시장 가운데 하나로 떠올랐다.

EXPERT INSIGHT

패션 디렉터 간호섭

“과거 소수 상류층의 전유물이던 와인이나 뮤지컬이 대중화 과정을 겪었듯이 럭셔리 소비의 역사 역시 동일한 숙성의 궤적을 그려요. 시장이 커진 이면에는 결국 소비자의 ‘성숙도’가 존재하죠. 진정한 의미의 하이엔드 소비는 단순히 남들이 알아보는 고가의 물건을 과시하는 데 머무는 것이 아니라, ‘왜 이 물건을 선택했는가’에 대한 자신만의 이유를 찾아가는 과정이에요. 유행이 지나도 오래 사랑할 수 있는 옷을 입고, 오래된 물건을 수선하며, 아직 빛나지 않은 디자이너의 가치를 알아보는 안목, 즉 시간이 흐르며 경험이 쌓여 완성되는 취향의 숙성이야말로 성숙한 럭셔리의 본질이에요. 시장 역시 일회성 신제품 구매를 자극하는 마케팅에 그치지 않고, 제작과 창작에 담긴 고된 장인 정신과 원재료의 가치, 즉 브랜드의 ‘보이지 않는 과정’을 대중과 진정성 있게 나눠야 할 때라고 생각합니다.

서울의 위상을 입증한 루이 비통의 2023년 프리폴 컬렉션.

(왼쪽) EENK 2023 S/S. (오른쪽) 황동혁 감독의 연출 아래 한강 잠수교 800m를 거대한 런웨이로 탈바꿈시키며, 서울의 에너지를 전 세계에 각인시켰다.

2006년 한국 디자이너 최초로 파리 생토노레에 입성한 한국 패션의 자부심, 우영미의 파리 플래그십 스토어.

(왼쪽) 한국적 감성과 스칸디나비아 예술을 절묘하게 결합해 파리를 매료시킨 앤더슨벨의 김도훈 디렉터. (오른쪽) 서울을 넘어 글로벌 무대에서 K-패션의 감각적 저력을 증명하고 있는 잉크의 이혜미 디자이너.

EXPERT INSIGHT

‘로에베’ 마케팅 커뮤니케이션 디렉터 조혜선

“과거에는 글로벌 럭셔리 본사가 한국을 단순히 ‘물건을 많이 팔 수 있는 거대 소비 시장’으로 바라봤지만, 지금은 완전히 달라졌어요. 이제 그들이 직접 한국을 찾아와 한국 아티스트와 서울의 로케이션을 배경으로 글로벌 캠페인을 제작하죠. 한국은 단순한 트렌드 수용 시장을 넘어 하우스 브랜드에 새로운 영감과 창의적 관점을 제공하는 진원지가 되었죠. 초기에는 막강한 팬덤 규모와 소셜 화제성이 한국 아티스트들을 주목하게 만든 기폭제였다면, 지금은 그 관계가 훨씬 깊어졌어요. 아티스트들이 단순히 쇼에 참석만 하는 것이 아니라, 브랜드의 정체성과 미학을 새로운 방식으로 해석하고 글로벌 팬덤과 실시간으로 소통하며 브랜드의 세계관을 확장하는 역할을 해내고 있죠. 한국 문화가 글로벌 럭셔리 신에서 반짝이는 트렌드에 머물지 않고 롱런하려면 고유의 예술과 공예, 장인 정신 등 깊이 있는 문화적 자산을 발굴해야 해요. 실제로 로에베 재단 공예상 등에서 우리나라 작가들이 대거 파이널리스트에 오르고, 최고상을 수상하는 등 공예 신에서 한국의 존재감은 독보적입니다. 오랜 시간 축적한 기술과 동시대적 철학이 결합된 이 오리지낼러티야말로 글로벌 하우스들이 지속적으로 한국에서 영감을 얻게 만드는 대체 불가능한 동력이에요.”

(왼쪽) 컬렉션에 참석한 배우 김재원의 모습. (오른쪽) 2027년 S/S 미우미우 쇼에 참석한 투모로우바이투게더 연준.

REVERSAL 변방에서 글로벌 런웨이의 중심으로

한국 패션 반세기를 관통하는 가장 극적인 변화는 단연 ‘역전Reversal’이다. 1970~1980년대 한국은 해외 브랜드의 생산 기지 역할을 수행하며 글로벌 패션 산업의 주변부에 머물러 있었다. 그러나 국내 디자이너들의 비약적 성장과 SFAA 창립, 그리고 세계적으로도 유례를 찾기 힘든 동대문 패션 클러스터의 발전을 바탕으로 한국 패션은 점차 독자적인 경쟁력을 구축해나갔다. 해외의 유행을 수용하던 시장에서 새로운 흐름을 제안하는 주체로 성장한 한국 패션은 마침내 글로벌 무대의 중심을 향해 나아가기 시작했고, 동시대 패션의 새로운 기준을 써 내려가고 있다.

2000년대 초반 유럽 시장에 도전장을 내민 한국 디자이너들은 오랫동안 견고했던 패션의 중심부에 균열을 냈다. 우영미와 준지는 파리 프렝탕과 런던 해러즈 등 세계적인 백화점에 차례로 입점하며 한국 디자이너의 창의성과 경쟁력이 글로벌 하이엔드 시장에서도 통할 수 있음을 입증했다.

이후 한국 패션의 영향력은 더욱 넓고 다채로운 형태로 진화했다. 앤더슨벨이 밀라노 남성복 패션위크의 공식 스케줄에 이름을 올리고, 이혜미 디자이너의 잉크EENK가 파리 패션위크 무대에서 단독 쇼를 선보이는 일은 더 이상 특별한 뉴스가 아니다. 어느덧 한국 디자이너 브랜드는 세계 패션 시장의 한 축으로 자연스럽게 자리매김했다. 변화는 런웨이 밖에서도 이어진다. 아더에러와 마르디 메크르디는 과거 한국이 트렌드를 수입하던 일본 패션 시장에 진출해 오모테산도와 다이칸야마 등 핵심 상권에 단독 플래그십 스토어를 열며 현지 소비자들의 관심을 이끌어냈다. 한국 패션은 이제 유행을 좇던 소비 시장에서 새로운 취향과 문화를 수출하는 주체가 되었으며, 세계 패션 산업의 흐름을 주도하는 위치에 서 있다. 이 거대한 역전의 서사에서 가장 인상적인 장면은 단연 K-팝 아티스트들의 부상이다. 과거 한국 셀러브러티들이 글로벌 패션 하우스의 쇼에 초청받는 특별 게스트에 가까웠다면, 이제는 샤넬, 디올, 루이 비통, 생 로랑 바이 안토니 바카렐로등 주요 하우스의 앰배서더로 입지를 공고히 하며 브랜드의 정체성과 메시지를 함께 만들어가는 존재가 되었다.

4대 도시에서 컬렉션이 열리는 시즌이면 전 세계의 시선은 더 이상 런웨이 위만을 향하지 않는다. 프런트 로에 위치한 블랙핑크, BTS, 스트레이 키즈 등 K-팝 아티스트들의 스타일과 행보는 쇼의 중요한 화제가 되고, 이들이 만들어내는 영향력은 컬렉션의 파급력을 결정하는 핵심 요소로 작용한다. 한때 글로벌 패션 신의 주변부에 머물던 한국 문화는 이제 럭셔리 하우스의 이미지와 담론을 형성하는 중심축 가운데 하나로 위치하고 있다.

이들이 인스타그램 게시물 한 건으로 창출하는 미디어 가치는 수백억 원에 이르는 것으로 평가받는다. 그러나 글로벌 하우스가 한국 아티스트를 주목하는 이유는 오롯이 높은 화제성이나 판매 확대 때문만은 아니다. 한국 대중문화가 지닌 감각과 영향력, 그리고 패션과 문화를 소비하는 독창적인 태도에 주목하고 있다. 한국의 아티스트와 크리에이터들은 브랜드의 헤리티지를 동시대적으로 해석하고 새로운 문화적 맥락을 부여하는 중요한 파트너로 전면 부상했다. 이는 한국 패션과 문화 산업이 걸어온 지난 50년의 변화를 상징적으로 보여준다. 유행을 소비하던 나라에서 문화를 수출하는 나라로. 한국 패션이 써 내려갈 다음 반세기의 서사는 이미 세계 패션 무대의 중심에서 시작되고 있다.

쇼메의 글로벌 뮤즈인 배우 송혜교. K-콘텐츠의 파급력을 전 세계 럭셔리 신의 정점으로 끌어올린 주역이다.